misja | program nauczania

Niepubliczna szkoła Sztuki tańca

O Szkole

Niepubliczna Szkoła Sztuki Tańca Caro Dance powstała jako naturalna konsekwencja ponad trzydziestoletniej działalności zespołu Caro Dance, założonego 6 stycznia 1987 roku przez mgr Iwonę Marię Orzełowską – tancerkę, choreografa i pedagoga. Caro Dance szybko zdobyło uznanie jako jedna z najbardziej rozpoznawalnych formacji tanecznych w Polsce, odnosząc liczne sukcesy na scenach krajowych i międzynarodowych.

Szkoła została oficjalnie powołana i wpisana do Ewidencji Szkół i Placówek Artystycznych prowadzonej przez Centrum Edukacji Artystycznej w Warszawie (MKiDN) – rozpoczęła działalność 30 sierpnia 2019 roku. Na podstawie Ustawy o systemie oświaty oraz Rozporządzenia Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w sprawie szkół artystycznych, placówka uzyskała uprawnienia szkoły publicznej i kształci w zawodzie tancerz (kod zawodu: 343701).

Powstanie szkoły w Siedlcach ma szczególne znaczenie – jest to jedna z nielicznych profesjonalnych placówek artystycznych działających we wschodniej Polsce. Region ten przez wiele lat pozbawiony był dostępu do systemowej, specjalistycznej edukacji tanecznej na najwyższym poziomie. NSST Caro Dance wypełnia tę lukę historyczną, wprowadzając do mniej zurbanizowanej części kraju kształcenie artystyczne porównywalne z najlepszymi ośrodkami w Polsce i Europie.

Placówka działa pod patronatem Krzysztofa Pastora – dyrektora Polskiego Baletu Narodowego, co gwarantuje wysoki poziom artystyczny i edukacyjny. Jej ogromnym atutem jest współpraca międzynarodowa z tak prestiżowymi instytucjami, jak

  • CoDArts – Rotterdam Dance Academy (Holandia),
  • Seoul Dance Company przy Uniwersytecie w Seulu (Korea Południowa).

Uczniowie mają dzięki temu dostęp do warsztatów prowadzonych przez pedagogów z całego świata, możliwość poznawania różnych technik i metod kształcenia, a także szansę na wymianę artystyczną.

Szkoła posiada nowoczesne zaplecze dydaktyczne: przestronne sale baletowe z profesjonalnymi podłogami, salę rytmiki i umuzykalnienia, a także dostęp do sceny Teatru Tańca Caro, co umożliwia zdobywanie realnego doświadczenia scenicznego już w trakcie nauki.

Nasza filozofia

Misja szkoły:
pasja | rozwój | sztuka

Niepubliczna Szkoła Sztuki Tańca w Siedlcach powstała, aby tworzyć przestrzeń, w której taniec staje się drogą do rozwoju – nie tylko artystycznego, ale także osobistego. Naszą misją jest wychowanie świadomych, wrażliwych i twórczych artystów, którzy dzięki sztuce ruchu odkryją siebie, nauczą się dyscypliny i otworzą na świat.

  • Wsparcie w budowaniu pewności siebie i wyrażania emocji.
  • Kształtowanie postaw zaangażowanych społecznie i kulturowo.
  • Promowanie autorskich projektów i spektakli tanecznych.
  • Indywidualne podejście do potencjału każdego ucznia.
  • Wysoki poziom kształcenia technicznego w różnych technikach tańca.

Rozwijamy talent, wzmacniamy charakter, otwieramy drzwi na scenę

Kierunki kształcenia
Nasze priorytety

Droga rozwoju ucznia

Nasze cele wykraczają poza samo kształcenie techniczne. Chcemy, aby każdy uczeń naszej szkoły rozwijał się w pełni – jako artysta, ale i jako człowiek. Taniec jest dla nas narzędziem do nauki wytrwałości, systematyczności i współpracy. To także sposób na budowanie poczucia własnej wartości i odkrywanie radości tworzenia.

Ścieżka edukacji

Program nauczania

Sztuka tańca – rozwój ciała, psychiki i wyobraźni

Taniec w życiu dziecka to coś więcej niż ruch. To droga do zdrowia, pewności siebie i radości. Regularne zajęcia poprawiają postawę, wzmacniają mięśnie, rozwijają koordynację, a jednocześnie uczą radzenia sobie ze stresem i budują poczucie własnej wartości.
W naszej szkole taniec staje się narzędziem rozwoju – wspiera koncentrację, reguluje emocje, koryguje wady postawy i pomaga w harmonijnym dojrzewaniu. To nie tylko sztuka, ale też forma profilaktyki zdrowotnej.

Zajęcia prowadzą wyłącznie pedagodzy z wyższym wykształceniem artystycznym i pedagogicznym. Dzięki temu każde dziecko i młodzież rozwijają się w bezpiecznym, przyjaznym środowisku, gdzie liczy się indywidualny potencjał i pasja.

Kierunki kształcenia

Taniec klasyczny – Balet

Balet to fundament każdej edukacji tanecznej. To styl, który uczy elegancji i precyzji, ale przede wszystkim kształtuje charakter. Uczniowie stają przed lustrem i dzień po dniu uczą się panować nad własnym ciałem, odkrywając piękno symetrii, siłę mięśni i wdzięk ruchu. Balet to droga wymagająca, ale właśnie dzięki niej młody tancerz zdobywa nie tylko technikę, lecz także cierpliwość, wytrwałość i wrażliwość estetyczną.
To dzięki baletowi uczniowie zaczynają rozumieć, że taniec to nie tylko ruch – to sztuka opowiadania historii ciałem. Regularny trening uczy samodyscypliny, poprawia sylwetkę i daje siłę, której efekty są widoczne nie tylko na scenie, ale i w codziennym życiu.

Co zyskasz dzięki baletowi:
mocne i elastyczne ciało, które pracuje w harmonii,
piękną postawę i poczucie własnej elegancji,
umiejętność koncentracji i pokonywania własnych barier,
wrażliwość artystyczną i zdolność wyrażania emocji ruchem,
pewność siebie, która zostaje także poza salą taneczną.

Gimnastyka baletowa

Gimnastyka baletowa to zajęcia, które wspierają i przygotowują ciało do każdego rodzaju tańca. Uczniowie wykonują ćwiczenia rozciągające, wzmacniające i korygujące postawę – to sprawia, że ciało staje się bardziej gibkie, odporne i gotowe do intensywnej pracy. To nie tylko wsparcie techniki baletowej, ale także świetna profilaktyka dla zdrowia i rozwoju fizycznego.
Na sali uczniowie uczą się słuchać swojego ciała, poprawiać zakres ruchu i pokonywać ograniczenia. To trening, który sprawia, że kolejne piruety, skoki i układy stają się łatwiejsze, bardziej płynne i bezpieczne. Gimnastyka baletowa to również doskonała baza dla osób, które dopiero rozpoczynają przygodę z tańcem – przygotowuje organizm i buduje świadomość ruchu.

Korzyści dla ucznia:
zwiększona elastyczność i kontrola nad własnym ciałem,
wzmocnienie mięśni, które chroni przed urazami,
korygowanie wad postawy i poprawa sylwetki,
poczucie lekkości w tańcu i codziennym życiu,
wyższa pewność siebie dzięki poczuciu sprawności.

Modern Dance i Postmodern Dance

Modern Dance narodził się jako bunt wobec sztywności baletu – to styl, w którym liczy się prawda i szczerość w ruchu. Uczniowie uczą się korzystać z ciężaru własnego ciała, oddychać razem z rytmem i odkrywać kontrasty – napięcie i rozluźnienie, siłę i miękkość. Postmodern idzie jeszcze dalej: uczy prostoty, improwizacji i szukania inspiracji w codziennych gestach.
Na tych zajęciach uczniowie odkrywają, że taniec to nie tylko technika, ale także emocje. Tu mogą wyrazić siebie, zbudować własny język ruchu i doświadczyć wolności twórczej. To doskonałe zajęcia dla tych, którzy chcą nie tylko tańczyć, ale też opowiadać historię i tworzyć własne interpretacje.

Dlaczego warto:
umiejętność improwizacji, która daje pełną swobodę,
rozwój kreatywności i zdolność wyrażania emocji ruchem,
nauka odwagi w prezentowaniu własnego stylu,
większa świadomość ciała i oddechu,
otwartość na eksperymenty artystyczne i nowe doświadczenia.

Jazz Dance

Jazz Dance to energia, rytm i scena. To styl, który od początku przyciąga swoją ekspresją i dynamiką – od Broadwayu, przez musicale, aż po współczesne teledyski. Uczniowie uczą się izolacji ciała, akcentowania rytmu i tworzenia widowiskowych układów, które budują pewność siebie i osobowość sceniczną.
Na sali jazzowej nikt nie stoi obojętnie – muzyka porywa, a ruch staje się naturalnym językiem. Jazz daje przestrzeń, by rozwijać indywidualny styl i jednocześnie pracować w grupie. To zajęcia, które sprawiają, że uczeń nie tylko uczy się techniki, ale też zaczyna błyszczeć – na scenie i poza nią.

Efekty nauki jazzu:
poczucie rytmu i wyczucie muzyki,
umiejętność tworzenia dynamicznych, efektownych choreografii,
rozwój ekspresji i scenicznej osobowości,
pewność siebie w wystąpieniach publicznych,
umiejętność pracy indywidualnej i zespołowej.

Taniec charakterystyczny i ludowy

Tańce charakterystyczne i ludowe to żywa opowieść o kulturze – pełne emocji, tradycji i rytmu. Każdy styl to inna historia: mazur, flamenco czy taniec kozacki pokazują różnorodność charakterów i nastrojów. Dla uczniów to okazja, by poznać różne kultury i nauczyć się wyrażania siebie w barwny, dynamiczny sposób.
Podczas zajęć uczniowie odkrywają, że taniec to także podróż – po tradycjach, językach i emocjach. To świetne ćwiczenie wszechstronności i otwartości. Tancerz, który zna taniec ludowy, zyskuje bogactwo gestów i ekspresji, które potem wykorzystuje w innych stylach.

Co daje ten styl:
rozwój różnorodnych umiejętności scenicznych,
świadomość kulturowa i szacunek do tradycji,
nauka dynamiki i rytmiki,
odwaga w wyrażaniu emocji,
umiejętność wchodzenia w różne role sceniczne.

Taniec współczesny

Taniec współczesny to styl, który daje pełną swobodę wyrazu. Łączy elementy baletu, modernu i improwizacji, a jednocześnie otwiera drzwi do nowych technik, takich jak release czy floorwork. To zajęcia, gdzie naturalność, ciężar ciała i oddech odgrywają kluczową rolę.
Uczniowie uczą się patrzeć na taniec jak na język – nie tylko technikę, ale sposób komunikacji z publicznością. Taniec współczesny rozwija kreatywność, uczy adaptacji i daje poczucie wolności. To świetny wybór dla osób, które chcą eksperymentować, tworzyć własne historie i szukać nowych dróg w sztuce.

Dlaczego uczniowie go kochają:
pełna swoboda ruchu i naturalność,
rozwój kreatywności i zdolności improwizacji,
umiejętność wyrażania emocji ciałem,
otwartość na nowoczesne techniki,
większa świadomość własnego ciała i przestrzeni.

Hip hop – język młodzieży

Hip hop to styl, który narodził się na ulicach Nowego Jorku i szybko podbił cały świat. Jest pełen energii, rytmu i wolności. Na zajęciach uczniowie uczą się breakingu, poppingu, lockingu i wielu innych elementów, które dają im możliwość wyrażania siebie w niepowtarzalny sposób.
To taniec, który szczególnie trafia do młodzieży – bo daje przestrzeń na indywidualność, rywalizację, ale też współpracę w grupie. Hip hop uczy odwagi, pewności siebie i kreatywności, a jednocześnie poprawia kondycję i sprawność fizyczną.

Efekty dla ucznia:
pewność siebie w grupie i na scenie,
odwaga w solowych występach,
świetna kondycja i sprawność fizyczna,
poczucie przynależności do wspólnoty,
możliwość tworzenia własnego, indywidualnego stylu.

Floorwork – technika podłogowa

Floorwork to praca z podłogą – toczenia, ślizgi, zejścia i powroty, które budują siłę i płynność ruchu. To technika rozwijająca pełną świadomość ciała i przestrzeni. Uczniowie uczą się odważnie eksplorować nowe możliwości ruchu, łącząc siłę, gibkość i płynność.
Na tych zajęciach ciało odkrywa nową relację z przestrzenią. Uczniowie uczą się płynnie przechodzić między poziomami – od ziemi po skoki. Floorwork daje poczucie wolności, rozwija technikę i otwiera na nowe doświadczenia artystyczne.

Dlaczego warto:
rozwój siły i elastyczności,
pełna świadomość kontaktu z przestrzenią,
odwaga w eksperymentowaniu,
większa płynność i swoboda ruchu,
umiejętność pracy z różnymi poziomami tańca.

Aktorstwo i gra na instrumencie

Artysta sceniczny to nie tylko tancerz – to także aktor i muzyk. Zajęcia z aktorstwa i gry na instrumencie rozwijają wrażliwość sceniczną, uczą interpretacji ról i pozwalają lepiej rozumieć muzykę, do której tańczy uczeń.
Podczas zajęć uczniowie pracują nad dykcją, ekspresją emocjonalną i interpretacją. Uczą się wyrażać siebie nie tylko ruchem, ale i słowem czy dźwiękiem. Dzięki temu stają się bardziej wszechstronni i przygotowani do kariery w teatrze, musicalu czy balecie.

Korzyści:
rozwój ekspresji emocjonalnej i scenicznej,
większa pewność siebie w wystąpieniach publicznych,
podstawy gry na instrumencie i interpretacji muzyki,
przygotowanie do wszechstronnej kariery artystycznej,
umiejętność łączenia ruchu, słowa i muzyki.

Rytmika i umuzykalnienie

Rytmika to pierwszy krok w świecie tańca. To zajęcia, które uczą dzieci słuchania muzyki, reagowania na rytm i rozwijają wrażliwość muzyczną. Dzięki zabawom taneczno-muzycznym uczniowie uczą się koncentracji, koordynacji ruchowej i kreatywności.
To doskonałe wprowadzenie do edukacji tanecznej – daje fundament, na którym można budować dalszy rozwój w balecie, jazzie czy tańcu współczesnym. Rytmika rozwija wyobraźnię, pamięć muzyczną i uczy dzieci czerpać radość z ruchu.

Co daje rytmika:
rozwój słuchu muzycznego i poczucia rytmu,
lepsza pamięć i koncentracja,
koordynacja ruchowa i świadomość ciała,
kreatywność i wyobraźnia ruchowa,
przygotowanie do dalszej nauki tańca.

nasi pedagodzy

Siłą Niepublicznej Szkoły Sztuki Tańca są jej nauczyciele – artyści, którzy łączą wiedzę, doświadczenie sceniczne i pedagogiczne powołanie. Każdy z naszych pedagogów posiada kierunkowe wykształcenie artystyczne i przygotowanie metodyczne, dzięki czemu uczniowie mogą uczyć się w atmosferze profesjonalizmu i bezpieczeństwa. To właśnie im powierzamy rozwój dzieci i młodzieży – wiedząc, że każdy krok taneczny buduje nie tylko technikę, ale i charakter.

Nasi pedagodzy są nie tylko nauczycielami – są przewodnikami, którzy inspirują, motywują i wspierają uczniów w odkrywaniu własnego potencjału. Prowadzą zajęcia tak, aby każdy młody tancerz czuł się zauważony, doceniony i gotowy do stawiania kolejnych kroków na swojej artystycznej drodze.

poznaj pełną kadrę NSST
Instruktor
Julia Kotuła

Instruktorka tańca klasycznego, choreografka

instruktor
Izabela Orzełowska

Artystka performerka, tancerka , nauczycielka, choreografka

Tancerka klasyczna
Ana Kipshidze

Solistka Polskiego Baletu Narodowego

Instruktor
Sarah Seymour

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetur adipiscing elit. Ut elit tellus, luctus ullamcorper.